Quelques Courants Picturaux Du 20 Eme

J'ai un faible pour l'expressionnisme et vous?

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parmi ceux que tu as inscrit dans le sondage, je dirai l'expressionnisme allemand et le land art que j'adore.

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Land Art sur l'île de Grand Canaria.

Malheureusement, aucun point d'appui elevé pour faire une photo de haut.
Et je n'avais pas ma mongolfière avec moi... Garsp !

nils udo (land art)




Ce message a été modifié par Miss Peel - samedi 21 août 2004 à 00:53.

land art encore avec l'incontournable Christo...

et encore du land art (j'ai un trou de mémoire pour l'artiste...impardonnable...)

Il s'agit de Robert Smithson, Spiral Jetty, Utah, 1970.

Mais pour la petite histoire (bien triste), cet artiste, précurseur du Land Art est mort en allant admirer cette œuvre justement lorsqu'elle fut terminée dans un accident d'hélicoptère.
Il c'est skratché sur son œuvre !
Le pilote et lui sont morts.
Dans une expo photo j'ai vu la dernière photo qu'il a prise pendant la chute de l'hélicoptère.

Ce message a été modifié par zarnust - samedi 21 août 2004 à 09:00.

Photo de Robert Smithson (au premier plan) travaillant sur son projet Spiral Jetty.

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Personne ne souhaiterait faire une légère introduction sur chaque courant pictural ?

Vous n'êtes pas obligés bien sûr

Le Cubisme

Le Cubisme a été une expérience majeure dans l’aventure de l’art puisqu’il a permis de modifier totalement la représentation picturale classique imposée depuis la Renaissance.

Le premier artiste à avoir osé franchir le pas menant au Cubisme a été sans conteste Pablo Picasso avec Les Demoiselles d’Avignon, un tableau peint à partir de 1907 et dans lequel il a revisité la notion d’espace, fragmentant les formes et s’inspirant de l’art ibérique et des sculptures africaines.

Rejoint quelques mois plus tard par Braque, Picasso est allé plus loin dans ses recherches mais en laissant le tableau Les Demoiselles quelque peu inachevé.
Pour parvenir au Cubisme, Picasso et Braque ont d’abord été influencés par Cézanne qu’ils ont découverts lors de diverses expositions à Paris entre 1904 et 1907. 

Mort en 1906, Cézanne avait exprimé son désir de traiter la nature par le cylindre, la sphère et le cône, une notion reprise à fond par Picasso et Braque. On retrouve la même démarche chez les mathématiciens avec les coniques où chaque forme géométrique est issue de l'intersection d'un cône avec un plan.

Autour de ces deux artistes, Max Jacob, Marie Laurencin, Guillaume Appolinaire, Maurice Raynal, Juan Gris, André Salmon, Gertrude et Léo Stein ainsi que le marchand Daniel H. Kahnweiler se sont rapidement investis pour propager le Cubisme, un mouvement totalement novateur auquel ont adhèré Fernand Léger, Robert Delaunay, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Auguste Herbin, André Lhote, Jean Metzinger, Henri Hayden, Marcoussis, Francis Picabia et des sculpteurs comme Duchamp-Villon, Archipenko ou Henri Laurens.

Ayant jeté son académisme aux orties, Picasso s’est remis en question pour devenir comme un explorateur s’enfonçant dans un territoire jusque là inconnu, défrichant de nouvelles contrées de l’art en suivant une logique basée sur les principes cézanniens.

Puis, avec Braque, il a réduit sa palette de couleurs pour aller vers le monochrome et les ombres pour mieux souligner les formes faisant des objets simples des sujets et non plus des éléments.

Ce message a été modifié par zarnust - dimanche 22 août 2004 à 15:55.

L'Expressionnisme

L'Expressionnisme est né au début du 20ème siècle, avec l'association "le Pont" (Die Brücke) à Dresde (1905-1913) et la "Nouvelle Association d'artiste" (Neue Künstlervereinigung), fondée par le russe Alexeï von Jawlensky et Wassily Kandinsky en 1909 à Munich, appelée "Cavalier bleu" (Der Blaue Reitter) en raison du cavalier qui traverse les toiles expressionnistes lyriques de Kandinsky, devenu le symbole du groupe en 1911, avec une idée commune, la "création intérieure".

Les artistes expriment leurs angoisses face à la société et à la guerre qui s'annonce pour 1914. Les toiles parlent des souffrances et des névroses de l'homme d'une façon instinctive, des sujets dramatiques ou mystiques ou érotiques, de la vie douloureuse et de la mort. Les paysages sont écorchés et les individus désabusés.

Le coup de pinceau est violent et brutal, les couleurs sont intenses, entrechoquées, les formes souvent désagrégées, tranchées, tourmentées, simplifiées, anguleuses, agressives, les figures provocatrices, l'état psychologique tortueux, morose, parfois meurtrier, impulsif.

La politique culturelle du régime national-socialiste, interdit l'expressionnisme allemand et organise l'exposition future itinérante de "l'Art dégénéré" "Entartete Kunst, en 1937.

Les artistes expressionnistes quittent le pays pour les États-Unis.

Ce message a été modifié par zarnust - dimanche 22 août 2004 à 16:07.

Le Surréalisme

Mouvement artistique et littéraire du XXème siècle qui souhaitait rompre avec le conformisme littéraire pour libérer le langage de toutes les entraves de la morale ou de la conscience. Il s'agit donc au départ d'une révolte, un désir de renverser l'art, la morale et la société. Les artistes surréalistes (Breton, Eluard, Aragon, Ernst, Miro, Dali...) se donnent pour mission de saisir ce qui, en l'homme, échappe à la conscience, tout ce qui est non rationnel et pourtant bien réel dans l'activité de l'esprit humain. Il accordent beaucoup d'importance à l'inconscient, au rêve, à la folie.

Le Dadaïsme

C'est le nom donné à un mouvement artistique né en 1916, animé par un esprit de révolte, de provocation et de dérision contre l'art bourgeois et l'ordre établi. Lancé par Tristan Tzara, le dadaïsme (c'est-à-dire l'école, le mouvement dada) est à l'origine du surréalisme.

Ce message a été modifié par zarnust - dimanche 22 août 2004 à 16:18.

Le Futurisme

Ce Mouvement est né avant la Première Guerre mondiale en Italie.
IL tenta, vers 1910, de créer un art qui sublime la vitesse de la machine, son mouvement et sa violence (l'âge nouveau à cette époque).
Il voulait révolutionner le monde.
Filippo Tommaso Marinetti anima ce mouvement qui, à ses débuts, était un mouvement littéraire d'où une profusion de textes théoriques. Le futurisme fut reconnu internationalement à travers ses sculpture, sa peinture et même sa musique.
Un groupe futuriste se forme en Russie, avec à sa tête, le poète Maïakowski
Ce dernier publie son Manifeste du Futurisme russe, La Gifle au goût du public.

La peinture futuriste est caractérisée par la multiplication d'objets (figures) en mouvement.
Cette peinture rejette les formes et les sujets traditionnels.
Elle proclame sa foi en une beauté moderne, en se voulant une peinture dynamique.
Ce mouvement n'a vécu que quelques années et disparut vers 1915.

Le Pop Art

Si le terme de Pop Art est aujourd'hui largement diffusé, en revanche le champ artistique qu'il désigne ainsi que la problématique qu'il soulève restent souvent méconnus.

On appelle Pop Art anglais un groupe d’artistes qui se manifeste à partir de la moitié des années cinquante. Son identité se construit à la suite de réflexions menées sous forme de réunions et de conférences par le cercle intellectuel qu’a été l’Independent Group. Constitué de peintres Eduardo Paolozzi et Richard Hamilton, du couple d’architectes Alison et Peter Smithson, du critique d’art Lawrence Alloway, l’IG a essentiellement centré sa recherche théorique sur la technologie, d’où la référence récurrente du Pop Art anglais à la science-fiction.

Sans communication explicite avec le Pop Art anglais, le Pop Art américain désigne une tendance née d’initiatives individuelles : s’il n’est pas un mouvement structuré au sens d’un groupe qui organise des manifestations collectives, il a néanmoins une cohérence, en ce qu’il est globalement issu du travail de Robert Rauschenberg et surtout de Jasper Johns : les artistes héritent de son intérêt pour les objets ordinaires, de son ironie, ainsi que de sa confiance en la puissance des images. Le foyer du Pop Art américain est localisé à New York, où exposent tout d’abord des artistes comme Claes Oldenburg et Jim Dine, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, puis James Rosenquist, George Segal, et Tom Wesselman.

Au-delà de leur divergence généalogique, Pop Art anglais et Pop Art américain se retrouvent sur le terrain d’un postulat commun exprimé par l’allocution même de Pop Art. Inventée par Lawrence Alloway à la fin des années cinquante, cette expression indique que l’art prend appui sur la culture populaire de son temps : il lui emprunte sa foi dans le pouvoir des images. Mais, si le Pop Art cite une culture propre à la société de consommation, c’est bien sur le mode de l’ironie, comme l’indique la définition que le peintre anglais Hamilton donne de sa production artistique : "Populaire, éphémère, jetable, bon marché, produit en masse, spirituel, sexy, plein d’astuces, fascinant et qui rapporte gros".

Cependant, cette double caractéristique suscite quelques questions. Jusqu’à quel point le Pop Art peut-il citer la culture populaire de son temps sans se confondre avec elle ? Peut-on parler d’une "culture" de masse ou faut-il considérer celle-ci comme un trait de civilisation ?

Si chaque artiste apporte singulièrement sa réponse, il apparaît que Pop Art et "Culture Pop" ne se confondent pas, qu’ils entretiennent un rapport dialectique dans la mesure où le Pop Art emprunte ses matériaux à la culture de masse, qui en retour profite de ses innovations stylistiques. La tendance Pop prend ainsi dès le début des années 60 jusqu’en 1970 une dimension pluridisciplinaire et internationale qui se manifeste principalement à travers le design italien (par exemple le célèbre fauteuil Sacco, 1968 de Piero Gatti rappelle les objets mous de Oldenburg) et les architectures utopiques du groupe Archigram (comme Walking City, 1964 imaginée par Ron Herron) issues de l’univers futuriste de la bande dessinée.

Abstraction géométrique

On dit aussi art abstrait géométrique et, plus familièrement, abstraction froide. L’expression n’a eu cours, en fait, qu’à partir de 1945, pour désigner ce dont beaucoup de peintres abstrait se détournaient alors, au profit d’une expression lyrique. Le géométrisme ne cessa pas d’exister pour autant: il avait d’illustres précurseurs: le néo-plasticisme de Mondrian et le constructivisme russe , et il fut largement représenté au Salon des réalités nouvelles (1946-1957). Cette recherche obstinée sur les lignes, les plans, les couleurs, les formes, était notamment pratiquée par Dewasne, Herbin, Magnelli, Mortensen, Pevsner. Quelque temps occultée par sa concurrence « lyrique », l’abstraction géométrique a paru trouver un second souffle avec les démarches « cinétique » de Vasarely et « spatiodynamique » de Nicolas Schoffer. Le tout débouchant dans les année 1960, sur l’orientation nouvelle apportée par l’Op Art, voire par le minimal Art. Mais il est évident que cette évolution a fini par aboutir fort loin des recherches initiales de Mondrian et des constructivismes.

Arte Povera

Les acteurs de Arte Povera, refusant de se prêter au jeu de l’assignation d’une identité, c’est-à-dire de se laisser enfermer dans une définition, rejettent la qualification de mouvement, pour lui préférer celle d’attitude. Etre un artiste Arte Povera, c’est adopter un comportement qui consiste à défier l’industrie culturelle et plus largement la société de consommation, selon une stratégie pensée sur le modèle de la guérilla. Dans ce sens, Arte Povera est une attitude socialement engagée sur le mode révolutionnaire. Ce refus de l’identification et cette position politique se manifestent par une activité artistique qui privilégie elle aussi le processus, autrement dit le geste créateur au détriment de l’objet fini. En somme, en condamnant aussi bien l’identité que l’objet, Arte Povera prétend résister à toute tentative d’appropriation. C’est un art nomade et insaisissable.

Néanmoins on peut tenter de dénombrer les artistes italiens qui ont participé à cette expérience, essentiellement entre 1966 et 1969 :

Giovanni Anselmo, Alighiero e Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto et Gilberto Zorio ; sans oublier le critique d’art qui a formulé et diffusé la ligne théorique d’Arte Povera, Germano Celant.

L'expression "Arte Povera" est utilisée pour la première fois en septembre 1967 par Germano Celant pour intituler une exposition présentée à Gênes. Elle emprunte le prédicat "pauvre" à une pratique théâtrale expérimentale, mais selon quelle signification ? On a tantôt suggéré qu’il s’agissait d’utiliser des matériaux pauvres, comme des objets de rebus ou des éléments naturels. Mais de nombreuses œuvres réfutent cette interprétation en intégrant des matières plus sophistiquées comme le néon. La référence fréquente à la nature est plutôt à considérer comme un exemple de point d’appui anhistorique à partir duquel il devient possible de critiquer le présent. Dans ce sens, les artistes de l’Arte Povera participent pleinement à la réflexion sur la dialectique entre la nature et la culture.

Mais qu’est-ce alors que cette pauvreté que doit viser l’art ? En reprenant l’analogie établie par Germano Celant entre l’art et la guérilla, on peut émettre l’hypothèse que la pauvreté est à l’art ce que l’artillerie légère est au guérillero : l’artiste doit idéalement renoncer au besoin d’un équipement lourd qui le rend dépendant de l’économie et des institutions culturelles. La pauvreté de l’art est une notion négative qui pose une interdiction de moyens quant à la réalisation des œuvres, mais qui requiert une richesse théorique afin de se guider.

L'Arte Povera participe pleinement de l’utopie contestataire de la fin des années soixante et revendique à sa manière une tendance de l’art contemporain italien face à la suprématie du marché de l’art américain.
© CNAC-GP

Land Art

Land art, forme d'art qui se caractérise par une ou plusieurs interventions généralement éphémères dans et sur un site naturel. Apparu aux États-Unis au milieu des années 1960, le land art, s'il est éphémère, peut néanmoins être conservé sur des photographies, des cartes ou dans des écrits.

Ainsi, l'une des œuvres de Robert Smithson, " Spiral Jetty (1970)", fut réalisée à Rozel Point sur le grand lac salé, dans l'Utah. La construction faite de basalte, de calcaire et de terre, sur 457 mètres, prenait la forme d'une spirale. Conformément à l'intention de Smithson, l'œuvre fut détruite par les mouvements de l'eau.

En Grande Bretagne, Richard Long est un des artistes du land art les plus connus. Dans England (1968), il forme une croix dans l'herbe en retirant des pâquerettes. Dans A Clearing, A Six Day Walk in the Hoggar (1988), il trace une piste dans le Sahara en retirant des pierres sur une large étendue de sable. Les cartes de ses randonnées, ses récits, ses photographies participent de ce travail solitaire et méditatif qui s'apparente par certains points à l'art minimal.

En France, le land art se manifeste à travers des artistes comme Jean CLAREBOUDT, Christine O LOUGHLIN ou Jean VERAME. L'artiste allemand Nils-UDO a également travaillé dans de nombreux pays à travers le monde avec ses œuvres éphémères de land-art.

L'Hyperréalisme

L'hyperréalisme est un courant artistique formé aux États-Unis à la fin des années 1960 et officiellement consacré en 1968 par l'exposition Realism now de la Vassar Art College Gallery de New York.

Il fit rapidement école en Europe, notamment en France, où la première manifestation importante des peintres et des sculpteurs de l'hyperréalisme se produisit à la Biennale de Paris en 1971.

Mission terminée.

Ouf !

Merci zarnust !!

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Ce message a été modifié par mugwump - dimanche 05 septembre 2004 à 15:27.